Julien Lambea

Envie d’un grand bol d’art frais ? Peu importe le mois ou la saison, Paris abrite un nombre pantagruélique d’expos à même de combler votre appétit en culture, si bien qu’il est parfois difficile de faire le tri entre le bon et le moins bon. C’est pourquoi, équipé de notre calepin et de notre flair légendaire, on a bourlingué dans toute la ville pour ne sélectionner que la crème de la crème des expositions à Paris, qu’elles soient consacrées à la peinture, la photo, l’art contemporain, la sculpture ou encore le design. Résultat ? Un dossier expo aussi costaud qu’une cuisse de Roberto Carlos, qui vous fera vous sentir aussi heureux qu’un écureuil devant la version longue de Casse-Noisette ! À lire aussi : Quatre expositions gratuites à voir en plein air en août à Paris Et pour encore plus de bons plans, inscrivez-vous à la newsletter de Time Out Paris.

*]:pointer-events-auto scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:d3ba8190-e937-45ff-9b45-dc0e78a2b038-2" data-testid="conversation-turn-6" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> Trop vu, trop banal, pas assez bien choisi : le faux pas n’est jamais loin quand il s'agit d'offrir un cadeau à quelqu'un qui aime la mode. Rassurez-vous, on a fait le tri. Des valeurs sûres aux jolies idées bien senties, voici une sélection de cadeaux pensée pour mettre tout le monde d’accord, et à tous les budgets.

Alors que nous écrivons ces lignes, Uniqlo vient d'inaugurer une nouvelle boutique à Bastille : sa 12ᵉ adresse parisienne et son 29ᵉ point de vente en France depuis son arrivée dans l’Hexagone en 2007. Selon un article du New Yorker paru le 22 septembre dernier, la marque japonaise compte aujourd’hui plus de 2 500 magasins répartis en Asie, en Europe et en Amérique du Nord. On y apprend également que Fast Retailing, la holding qui contrôle Uniqlo, est devenue le troisième plus grand fabricant et distributeur de vêtements au monde, derrière H&M et Inditex, et que sa croissance dépasse désormais celle de ces deux groupes. L’intemporalité plutôt que la tendance Pourtant, si l’on a souvent tendance à comparer ces trois géants du prêt-à-porter et à les ranger dans la même catégorie, Uniqlo ne se revendique pas comme une marque de fast fashion. Certes, ses volumes de production à bas coût, externalisés dans des usines situées en Chine, au Vietnam, au Bangladesh, en Indonésie ou en Inde, ont parfois été questionnés — notamment en 2021, lorsque des allégations de recours au travail forcé, finalement démenties par la société après des inspections d’organismes tiers, avaient émergé. Mais la marque rappelle dans son rapport intégré 2024 que ses « programmes de surveillance dans ses ateliers de couture et chez ses principaux fournisseurs de tissus contribuent à prévenir les violations des droits humains et à garantir de bonnes conditions de travail et des cadres de gestion adéquats dans

Désormais, c’est le terrain de chasse des chineurs stylés, des modeux en quête de pièces rares et de ceux qui préfèrent un Levi’s 501 bien patiné à n’importe quelle fast-fashion éphémère. Voici les meilleures adresses parisiennes où dénicher du vintage. À lire aussi : Les meilleures friperies et boutiques vintage de Paris

On a recensé les collaborations mode les plus excitantes du moment. Levi’s et Sacai réinventent le denim avec la précision déstructurée propre à Chitose Abe, Uniqlo UT célèbre l’héritage du Studio Ghibli à travers une série de t-shirts aussi nostalgiques qu’accessibles, Acne Studios flirte avec la douceur en convoquant les Moomins, tandis que Balenciaga rend hommage — avec une touche d’ironie — à Britney Spears. On note aussi le retour très attendu du duo Louis Vuitton et Murakami, les nouvelles lignes de sneakers adidas et Wales Bonner, ou encore les sacs techniques et floraux signés Cecilie Bahnsen x Porter. Autant de collaborations qui racontent, chacune à leur manière, les obsessions mode du moment.

Avant d’entrer dans l’exposition “Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au 19e siècle” au Palais Galliera, on associe facilement la mode féminine de cette époque à une garde-robe ultra-féminine. L’exposition prend pourtant le contre-pied de cette idée reçue en s’intéressant aux appropriations du vestiaire masculin par les femmes, “un manque important dans l’histoire de la mode” que le musée de la Mode de Paris souhaitait combler avec cette exposition, présentée jusqu’au 14 février 2027. Au fil de la visite, on comprend que ces appropriations se multiplient dès la fin du XVIIIe siècle, en parallèle d’une histoire plus conventionnelle du costume qui brille ici presque par son absence, au profit de ce récit alternatif. Cette pratique est aujourd’hui si courante qu’on oublierait presque ce qu’elle avait de dissident à l’époque. L’exposition s’emploie justement à le rappeler, dès l’entrée, à travers des caricatures de presse assorties des premières silhouettes. Elle place aussi le parcours sous le signe d’une quête de liberté, ne serait-ce que de mouvement, avec l’adoption de tenues confectionnées par des tailleurs – les seuls vêtements que des hommes fabriquent alors pour des femmes – pour monter à cheval puis faire du vélo. Dans une scénographie labyrinthique qui ne perd jamais le visiteur, dont l’attention est renouvelée grâce à une grande variété d’entrées thématiques, le parcours chronologique permet de suivre l’évolution des vêtements à travers de nombreuses pièces d’ép

Présentée pour la première fois en 2012 à Paris, l’exposition Toutankhamon : son tombeau et ses trésors revient du 3 juillet au 6 septembre 2026 à Paris Expo - Porte de Versailles après avoir sillonné les grandes villes du monde entier et dépassé la barre des 7 millions de visiteurs, témoignant d’une fascination impérissable pour l’Égypte ancienne.  C’est particulièrement le cas en France où, il y a 14 ans, plus de 250 000 visiteurs étaient venus découvrir et revivre l’histoire d’une des plus grandes découvertes archéologiques. Le 4 novembre 1922 – au bout de cinq années de recherches et 100 ans après le déchiffrement des hiéroglyphes égyptiens par Champollion –, le Britannique Howard Carter trouve un tombeau scellé depuis 3300 ans, celui de Toutankhamon. Un pharaon qui a failli tomber dans l’oubli, tout comme l’incroyable trésor de plusieurs milliers d’objets miraculeusement préservés. Si la plupart sont conservés au Caire, l’exposition propose de découvrir 1 000 répliques, réalisées par des artisans égyptiens, dans les mêmes conditions que Howard Carter au sein d’une reconstitution du tombeau caché dans la vallée des Rois.  On aurait évidemment préféré voir les objets originaux en or massif et pierres précieuses, mais on se laisse prendre au jeu dans les décors d’une aventure façon Indiana Jones, qui est introduite par un docu-fiction après une mise en contexte digne des meilleurs cours d’histoire-géo. Cette version augmentée de l’expo se conclut par une expérience en réali

Versace est l’un des noms les plus célèbres de la mode. Mais les plus jeunes et les non-initiés connaissent encore mal les origines du style flamboyant, immédiatement reconnaissable, de son fondateur, désormais entré dans la pop culture. C’est ce que l’on constate en visitant Gianni Versace Retrospective, présentée à partir du 5 juin au musée Maillol, à Paris, après plusieurs étapes européennes depuis 2017. Repensée avec des prêts inédits, l’exposition explore notamment le lien entre Gianni Versace et la capitale, où il présenta ses collections Atelier Versace dès 1990. Avec près de 450 pièces – silhouettes, accessoires, croquis, objets, photos et vidéos –, cette première grande rétrospective française depuis 1986 embrasse large. Parfois trop, au risque de noyer certaines pièces dans l’abondance. Pas toujours assez, aussi, pour les plus férus de mode en quête de détails techniques. Plutôt qu’un parcours chronologique, l’exposition choisit une scénographie inspirée des podiums, organisée autour de grands thèmes : création, inspirations, collections clés, personnalités habillées par Versace. Un parti pris défendable, souvent spectaculaire, mais foisonnant, parfois au bord de la saturation. On conseillera donc au visiteur curieux de se munir de l’audioguide, gratuit, non parce que le parcours serait illisible sans lui, mais parce qu’il ajoute une strate d’explications, aide à mieux comprendre certains choix et, surtout, à ralentir face aux pièces. C’est là que l’exposition devie

Artiste presque oubliée à sa mort en 1977, Lee Miller a retrouvé une seconde vie ces dernières années : expositions au début des années 2000, biopic sorti fin 2024, et surtout le travail patient de son fils et de sa petite-fille, qui gèrent les Lee Miller Archives — 60 000 photographies et négatifs exhumés du grenier de Farley Farm, sa résidence du Sussex. C'est d'ailleurs en lien avec ces archives familiales qu'a été organisée la grande rétrospective de la Tate Britain en 2025, la plus ambitieuse jamais consacrée à l'artiste, et l'exposition photo la plus fréquentée de toute l'histoire de la Tate. Elle traverse aujourd'hui la Manche pour s'installer au Musée d'Art Moderne de Paris jusqu'au 2 août, avec quelques ajouts pour rendre compte de l'attachement de Lee Miller à la ville. Dès l'entrée, un grand visuel mural la montre en pleine séance photo devant le parvis du MAM. Long mais sans temps mort, le parcours (environ 250 tirages, extraits multimédia et publications d'époque) retrace une vie commencée devant l'objectif, comme mannequin pour les grands magazines américains, avant que Lee Miller ne prenne elle-même la caméra en main pour ne plus jamais la lâcher. Plutôt qu'une hagiographie, l'exposition permet avant tout de prendre la mesure du talent de Lee Miller à travers un choix d'images saisissantes et richement expliquées. Initiée à la photographie par son père puis par Man Ray (qui contribuera aussi à son invisibilisation), elle découvre avec lui la solarisation et s'

Exposition itinérante née au Victoria and Albert Museum de Londres en 2022, Africa Fashion a depuis traversé New York, Portland, Chicago, Melbourne et Montréal avant de poser ses valises à Paris. Un passage peut-être symbolique dans la capitale mondiale de la mode, où la création africaine peine encore à s'imposer à la hauteur de son talent. L'exposition entend y remédier en offrant un panorama généreux d'une scène bouillonnante, aussi diverse qu'inventive. C'est bien la sensation que donne cette exposition-fleuve, triple en quelque sorte. L'exposition originale du V&A retrace l'émergence de la mode africaine depuis les indépendances des années 1950 jusqu'aux propositions les plus actuelles. Elle s'enrichit, grâce aux collections du musée du quai Branly, d'un regard chronologique sur la photographie africaine et son rapport au vêtement, ainsi que d'une section finale consacrée aux traditions textiles du continent. Des ajouts qui renforcent la profondeur d'un sujet loin d'être superficiel, tout comme la façon de le traiter. L'attention au détail se manifeste jusque dans la conception des mannequins, plus incarnés qu'à l'accoutumée, mais aussi dans la production d'interviews vidéo et d'un shooting photo signé par le styliste Ib Kamara. Plus qu'un panorama des créations africaines, l'exposition donne à saisir l'étendue et l'importance de la mode sur le continent et invite, au passage, à repenser notre propre rapport au vêtement : autant qu'ailleurs, sinon plus, le textile y rev

div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8"> _*]:min-w-0 gap-3 standard-markdown"> Les produits de beauté coréens sont devenus incontournables. Un phénomène K-pop, K-drama et compagnie que le musée Guimet s'attache à replacer dans son contexte avec « K-Beauty. Beauté coréenne, histoire d'un phénomène », visible du 18 mars au 6 juillet 2026, pour les 140 ans des relations diplomatiques franco-coréennes. Pour retracer l'évolution de ce concept, l'exposition remonte près de 300 ans en arrière, à la fin de l'époque Joseon, pour explorer les canons de beauté de l'époque — féminins surtout, masculins à la marge — immortalisés par des artistes comme Shin Yun-bok. Une introduction qui pose les bases historiques et montre comment cet idéal irrigue encore aujourd'hui des disciplines aussi diverses que la mode, le manhwa ou le webtoon. div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)

div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8"> _*]:min-w-0 gap-3 standard-markdown"> En 2026, trois expositions consacrées au XVIIIe siècle se tiennent simultanément : Une Journée au XVIIIe siècle, chronique d'un hôtel particulier au musée des Arts décoratifs (depuis le 18 février), La Mode du XVIIIe siècle : Un héritage fantasmé au Palais Galliera et Révéler le féminin. Mode et apparences au XVIIIe siècle au musée Cognacq-Jay — cette dernière présentée en collaboration avec le Palais Galliera. On peut donc dire qu'il y a du XVIIIe dans l'air, entre l'exposition sur Marie-Antoinette au V&A de Londres, une énième adaptation des Liaisons dangereuses ou encore les premières collections de Jonathan Anderson chez Dior. div]:bg-bg-000/50 [&_pre>div]:border-0.5 [&_pre>div]:border-border-400 [&_.ignore-pre-bg>div]:bg-transparent [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.standard-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pl-2 [&_.progressive-markdown_:is(p,blockquote,ul,ol,h1,h2,h3,h4,h5,h6)]:pr-8"> _*]:min-w-0 gap-3 standard-markdown"

Véritable caverne d’Ali Baba consacrée aux œuvres sur papier, le Cabinet d’art graphique du Centre Pompidou aligne plus de 35 000 dessins, collages, estampes, carnets et objets divers. Une collection vertigineuse, parmi les plus importantes au monde, qui raconte à même la feuille les XXe et XXIe siècles. Même en dehors des périodes de travaux, ce trésor reste peu visible du grand public, en raison de la fragilité des œuvres sur papier et, sans doute, d’une tendance à réduire le dessin à un simple travail préparatoire. Une idée préconçue que s’attache à défaire Dessins sans limite, la nouvelle exposition du Grand Palais, qui donne par la même occasion la chance de contempler quelque 300 chefs-d’œuvre de la collection du Centre Pompidou, avant leur retour forcé à l’obscurité. Selon les règles de conservation, un dessin peut être montré au maximum trois mois, avec un certain degré d’éclairage, avant d’être « mis au noir » pendant trois ans. Cette exploration des possibilités du dessin montre comment, depuis le début du XXe siècle, il s’est affranchi de son statut secondaire pour s’imposer comme une œuvre à part entière. Un terrain d’expérimentation libre pour les 120 artistes réunis ici, prêts à dépasser la simple feuille de papier. Face à un tel sujet, titanesque par l’ubiquité du dessin mais aussi par la taille du corpus, les commissaires d’exposition ont choisi un parcours plutôt thématique que chronologique, en quatre grandes sections. Celles-ci font dialoguer des œuvres con

Piqués par la curiosité après avoir longé des mois durant ce chantier mystérieux, on attendait la visite de l’Exposition Générale de la Fondation Cartier avec impatience. Pas seulement pour l’expo, mais surtout pour découvrir la nouvelle architecture de Jean Nouvel, installée dans les anciens locaux des Grands Magasins du Louvre. Sur ce point, pas de déception : avec ses 6 500 m² – cinq fois plus qu’à Raspail – et son système de plateformes modulables à la machinerie apparente, cette « machine à voir » fascine… autant qu’elle risque d’éclipser ce qu’elle expose. Une muséographie appelée à évoluer, parfaitement intégrée à la ville grâce à ses arches vitrées qui laissent entrevoir les œuvres depuis la rue. Ajoutez une librairie, un café et bientôt un restaurant : tout pour faire de ce musée atypique un futur repaire parisien, même pour les réfractaires à l’art contemporain. Et si l’on parle tant du bâtiment, c’est peut-être parce qu’on n’a pas tout à fait réussi à saisir l’exposition qu’il abrite. En parcourant les trois étages, on est loin du voisin Louvre : ici, la circulation libre et la proximité avec les œuvres brisent la froideur muséale habituelle. Mais entre la profusion et la dispersion des pièces, le parcours labyrinthique et l’espace encore inconnu, on ressort parfois un peu perdu, désorienté autant par l’architecture que par l’abondance. Un sentiment sans doute renforcé par la perte de repères qu’induit ce bâtiment tout neuf, truffé de recoins malgré son apparente h

Souvent confondu avec l’Art nouveau, l’Art déco reste mal identifié malgré son statut d’emblème du patrimoine esthétique français et mondial. Le musée des Arts Décoratifs s’amuse d’ailleurs de cette ambiguïté dans sa nouvelle exposition inaugurée le 22 octobre. « Protéiforme, l’Art déco se métamorphose au gré des singularités artistiques comme des écoles nationales », annonce le texte d’introduction, rappelant qu’il émerge dans les années 1910 avant de triompher à l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925. C’est par une salle hommage à cet événement mythique auquel on rêverait d’avoir assisté que débute la traversée. Trois étages, plus de 1 200 œuvres, et une exploration foisonnante de l’Art déco dans toutes ses voix. De quoi saisir l’incroyable richesse d’un mouvement à la production simultanée et variée en France, en Italie ou au Japon, dans des disciplines allant de la joaillerie aux arts de la table, du graphisme à l’architecture d’intérieur. Territoire d’expression indissociable de l’Art déco dans l’imaginaire collectif, le mobilier, central dans le parcours, illustre lui aussi toute la diversité du mouvement. Salle après salle, la juxtaposition des créations de Jacques-Émile Ruhlmann, Eileen Gray ou Jean-Michel Frank souligne la pluralité des styles, malgré une grammaire commune rappelée dès la troisième salle. Si leur style reste emblématique d’une époque bien précise — celle des années folles —, on est frappé par l’intemporalité e

Après David Hockney, la Fondation Louis Vuitton consacre une rétrospective à Gerhard Richter jusqu’au 2 mars 2026. Moins connu du grand public qu’Hockney mais tout aussi coté, le peintre allemand né à Dresde en 1932 investit les quatre étages du bâtiment de Frank Gehry (sauf une salle réservée à une installation immersive de l’artiste danois Jakob Kudsk Steensen).  La visite laisse une impression durable tant l’exposition se révèle vertigineuse à plusieurs niveaux : par la profusion d’œuvres, la monumentalité de certains formats et ces tableaux qui semblent littéralement brouiller le regard. Elle impressionne aussi par la maîtrise avec laquelle l’artiste navigue entre médiums, disciplines et genres. Car s’il se définit comme un “peintre classique”, Richter s’éloigne de toute approche académique, même lorsqu’il s’attaque à la nature morte ou au paysage avec des sujets d’une banalité désarmante. En parcourant les galeries de la Fondation, qui retrace l’évolution chronologique de son œuvre, on a presque l’impression de découvrir plusieurs artistes. Les six décennies couvertes (il a détruit ses œuvres antérieures à 1962 et cessé de peindre en 2017, tout en poursuivant le dessin) révèlent un artiste qui, tout en travaillant à partir de photographies dans son atelier, a su s’ancrer dans son temps. Richter aborde des sujets historiques, dialogue avec les grands courants de l’art contemporain, sans se laisser enfermer.  Face aux 275 œuvres exposées, difficile de cerner un véritable “

Après Basquiat, Chagall, Klee ou Picasso, la Philharmonie poursuit ses croisements art/musique avec Kandinsky – La musique des couleurs (jusqu’au 1er février 2026). En collaboration avec le Centre Pompidou, le parcours déroule l’évolution du peintre, l’un des pères fondateurs de la peinture abstraite, au rythme d’une écoute au casque. La musique varie d’une salle à l’autre grâce à un système d’audioguide géolocalisé. L’idée fait évidemment écho à la Philharmonie, mais elle colle surtout à l’œuvre : Kandinsky doit beaucoup aux musiciens, ses toiles ont déjà leur musique que le dispositif souligne. On le dit volontiers synesthète (à l’instar de Pharrell Williams : une altération de la perception où les sens se croisent). Il aurait « entendu » les couleurs, et cela se lit dans ses titres à nomenclature orchestrale : Improvisation, Impression, Composition. Aucune preuve formelle de sa synesthésie, soit. Mais au fil du parcours, on comprend une chose : c’est la musique qui lui ouvre le regard et l’arrache à la figuration. Cette clé de compréhension éclaire son abstraction, en peinture comme dans ses compositions scéniques où les motifs semblent prendre vie. Et, bonus, c’est une porte d’entrée ludique dans une œuvre majeure qui peut paraître difficile d’accès. Au-delà de renforcer l’effet des œuvres, cette balade musicale, immersive et instructive, permet (même sans synesthésie…) d’éprouver l’idée d’« entendre » les formes et les couleurs, chez Kandinsky comme chez d’autres artiste

Monet, peindre le temps, au musée de l'Orangerie Il y a des obsessions qui ressemblent à des maladies. Entre 1892 et 1893, Claude Monet loue des chambres en face de la cathédrale de Rouen, s'y enferme et peint le même portail plus de trente fois, sautant d'une toile à l'autre à mesure que la lumière tourne. Grise le matin, blanche à midi, bleue le soir. « Chaque jour, je découvre quelque chose que je n'avais pas vu la veille », note-t-il. Quand vingt de ces tableaux débarquent chez le marchand Durand-Ruel en 1895, Georges Clemenceau, futur ministre et journaliste à ses heures, en fait l’éloge dans un article : « Révolution de cathédrales » paru dans son journal La Justice. Le sujet de la peinture n'est plus le bâtiment mais l’heure qui passe. C'est ce fil que l'Orangerie déroule à partir du 30 septembre avec Monet, peindre le temps, pour les cent ans de la mort du peintre. Une quarantaine de toiles arrachées à Orsay, à Marmottan et à des prêteurs internationaux, rangées en trois séries : l'instant attrapé au vol (les Matinées sur la Seine), la suite temporelle (les Meules, les Peupliers, repris à toutes les lumières avec une obstination de laborantin), la durée dans laquelle on finit par se noyer, avec les dernières vues de Giverny. Reste le boss de fin, celui que vous croisez depuis toujours sur mug ou en fond d'écran : les Nymphéas. Plus de 200 toiles au total, dont les panneaux monumentaux offerts à l'État au sortir de la Grande Guerre, Clemenceau encore à la manœuvre, ins

Le 15 mai 1863 s’ouvrait à Paris le “Salon des refusés”, l’exposition des œuvres non admises au Salon de l'Académie des beaux-arts. Autorisée par Napoléon III, cette présentation au public des travaux rejetés par le jury du salon officiel permit de faire connaître des artistes comme Édouard Manet (qui y présenta Le Bain, alias Le Déjeuner sur l’herbe, et fit scandale), Paul Cézanne ou Camille Pissarro, et d’ouvrir la voie au mouvement impressionniste. Un événement fondateur de l’histoire de l’art moderne qui a inspiré SSENSE (à prononcer comme “essence” en anglais), l’un des acteurs importants de l’e-commerce de mode, qui possède un concept store physique à Montréal, pour l’ouverture le 2 octobre prochain de son propre “Salon des refusés” à Paris pendant la Fashion Week. L’espace d’une journée seulement, ce showroom propose de “venir découvrir, voir, toucher et essayer les pièces de designers qui façonnent l’avenir de la mode”. Comme l’explique SSENSE, l’idée est de transposer “l’expérience en ligne dans le monde physique”. Celles et ceux qui suivent la mode de près reconnaîtront sans doute les noms de certains créateurs exposés comme Stephen Jones, RESCHA, Petra Fagerström, Kanika Agarwal, Laura Andraschko, MERRMA ou SECONDA, et savent par conséquent que ça vaut le coup de faire le déplacement. Quand ? le 2 octobre 2026, de 12h à 18h.Où ? 9 rue d’Aboukir, Paris 2e.Combien ? entrée libre.

Avec plus de 3 000 marques référencées et de nouveaux produits ajoutés quotidiennement, W Concept est l’une des plus importantes plateformes e-commerce pour tout ce qui concerne la mode, la beauté et le lifestyle de Corée du Sud. Même si elle propose déjà la livraison en France, la société fondée en 2006 va profiter de la Fashion Week de Paris pour matérialiser de façon encore plus concrète un pont entre Séoul et Paris en ouvrant pour la première fois un pop-up du 29 septembre au 12 octobre au 119, rue Saint-Martin dans le 4e arrondissement.  Divisée en sept espaces reflétant un panorama assez complet de la création coréenne contemporaine, cette boutique éphémère  réunira près de 600 produits issus de 75 marques dans les univers de la mode, de la beauté, du bien-être et du lifestyle. On y retrouvera notamment des marques de mode coréenne ayant défilé à Paris comme KIMHĒKIM, EENK ou BONBOM mais aussi des labels émergents sélectionnés dans le cadre du programme W Stage. La section Beauty proposera certains des produits les plus populaires de la plateforme tandis qu’un espace Heritage mettra à l’honneur des labels réinterprétant la culture traditionnelle via un prisme moderne. La Hallyu (la “vague coréenne”) n'étant rien sans la K-pop, un espace sera dédié à la musique pour approfondir ses connaissances de la scène K-pop et au-delà. En plus de la possibilité d’essayer les produits sur place et de passer commande (avec réduction et livraison gratuite pour les visiteurs du pop-up

Du 10 septembre au 4 octobre prochain, à l’occasion de la Paris Design Week et des Journées européennes du patrimoine, l’Arc de Triomphe a donné carte blanche à Jérémy Pradier-Jeauneau pour concevoir une installation immersive proposant « une relecture contemporaine de ce lieu emblématique, révélant son histoire et son architecture sous un angle inédit ». Un parcours monumental proposant effectivement de redécouvrir l’Arc de Triomphe comme vous ne l’avez jamais vu, via une traversée mêlant art, design et artisanat inspirée par un souvenir d’enfance introduit comme « un élément perturbateur au cœur du monument ». De quoi expliquer son titre, « La Tempête », mais aussi inviter le visiteur dans l’univers de cet artiste et designer touche-à-tout qui en profite pour dévoiler sa nouvelle collaboration avec Monoprix, mais aussi une surprenante chaise réalisée à partir de bombers Schott NYC. Vêtement d’origine militaire devenu une pièce emblématique du streetwear, le blouson d’aviateur en nylon se voit ainsi à nouveau détourné de sa fonction première pour devenir un tissu d’ameublement pas comme les autres. Une pièce unique qui est également devenue le décor d’un court métrage racontant l’histoire d’un couple venu visiter l’Arc de Triomphe… vêtus de bombers assortis. © Adel Slimane FecihCe fauteuil en bombers Schott est peut-être la pièce la plus cool de la Paris Design Week

Selon une étude OpinionWay pour Lime, « 46 % des salariés interrogés citent les aléas de la météo comme un obstacle à l’utilisation du vélo pour leurs déplacements du quotidien ». Un obstacle pourtant facile à lever avec un équipement adapté. C’est en tout cas ce que suggère la nouvelle campagne déployée par Lime à Londres et à Copenhague sur une sélection de vélos habillés aux couleurs de la collaboration entre GANNI et Hunter. Paris devra se passer des vélos rhabillés, mais pas de la collection, bien disponible dans la capitale. Dévoilée le 14 septembre, cette première rencontre entre le fabricant britannique, connu pour ses bottes en caoutchouc, et la marque danoise de prêt-à-porter donne naissance à une collection en édition limitée comprenant trois ponchos imperméables, des chapeaux de pluie assortis, une housse de protection pour le sac Bou de GANNI, des bottes Wellington hautes et des Chelsea basses, ainsi qu’un parapluie orné de l’imprimé léopard signature de GANNI, que l’on retrouve sur plusieurs pièces de la collection. Celle-ci se distingue également par ses couleurs vives et ses volumes ludiques, qui permettent de dédramatiser les vêtements de pluie tout en les rendant faciles à associer à des tenues du quotidien. De quoi rendre les jours de pluie un peu moins gris. © GANNIGANNI x Hunter x Lime... non, nous non plus, on ne l’avait pas vue venir

À une époque de semaines de la mode (quasi) en continu, les musées parisiens ne cessent, depuis quelques années, de faire défiler les expositions modeuses sur leurs cimaises. Et attention, suiveurs de la fashion, la collection rentrée 2026 s’annonce plus grandiloquente que jamais avec les célébrations des photographes Rafael Pavarotti et Irving Penn, une expo pour les 40 ans du musée des Arts décoratifs ou une plongée dans les vestiaires des féminités dissidentes du 19e siècle. Rafael Pavarotti, photographe, au musée des Arts Décoratifs Le musée des Arts décoratifs ouvrira ses cimaises, du 23 septembre 2026 au 7 février 2027, à la première exposition française consacrée au photographe Rafael Pavarotti. Une entrée remarquée dans le champ muséal hexagonal pour une œuvre déjà largement diffusée, mais encore peu montrée sous cette forme. Réunissant plus de 200 tirages, l’exposition déroulera un corpus ample, mis en regard des collections photographiques du musée. On y croisera des couvertures de magazines internationaux, des portraits de figures de la pop culture – Rihanna, Harry Styles, Beyoncé – ainsi que des campagnes réalisées pour de grandes maisons, de Dior à Balmain, de Maison Margiela à Ferragamo, sans oublier L’Oréal. Un ensemble qui témoigne d’un regard désormais solidement installé dans le paysage visuel de la mode contemporaine. Quand ? Du 23 septembre 2026 au 7 février 2027Où ? Au musée des Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, 75001 Paris © Vogue, Septembre 2022Rafae

Glade / Clairière, à la galerie Chantal Crousel À l'été 2025, Wolfgang Tillmans refermait le Centre Pompidou d'avant-travaux avec « Rien ne nous y préparait − Tout nous y préparait », 6 000 m² d'expo déployés dans la Bibliothèque publique d'information, dont il avait fait à la fois son sujet et son écrin. Après le paquebot, la chaloupe ! Du 5 septembre au 10 octobre, la galerie Chantal Crousel, qui le représente à Paris, lui ouvre son modeste espace de la rue Charlot. Rappel pour les distraits du fond de la classe : Tillmans, premier non-Britannique à décrocher le Turner Prize en 2000, a passé trente-cinq ans à dynamiter la hiérarchie des images. Chez lui, un cliché de club berlinois vaut une nature morte de rebord de fenêtre, une abstraction née sans appareil côtoie un tirage d'astronomie, et le tout s'accroche au scotch et à l'épingle, du sol au plafond, sans cadre ni préséance. C'est aussi l'homme des affiches anti-Brexit open source de 2016, de la pochette de Blond de Frank Ocean, et d'une conviction martelée jusque sur le seuil de Beaubourg : « la culture est toujours la première chose que les autocrates cherchent à contrôler ». Que montrera-t-il chez Crousel ? Mystère complet et c'est logique puisque ses accrochages se composent sur place, à pied d'œuvre, en réaction à l'espace. Et l'Allemand frappe souvent plus juste dans les volumes resserrés. Pour le vérifier, l'entrée est libre mais la file d'attente promet d'être longue ! Quand ? Du 5 septembre au 10 octobre 2026

Oui, on sait : les vacances sont presque terminées. C'est triste mais réjouissez-vous : les musées parisiens aussi font leur rentrée, et le moins qu’on puisse dire, c’est qu’ils ont bien bossé sur leurs nouveaux programmes. Mary Cassatt, Ibrahim Mahama, Kerry James Marshall, Jean-Paul Belmondo, la collection de Gustave Fayet mais aussi une rétrospective pour le Bicentenaire de la photo ou sur les figures maghrébines qui ont changé la face du cinéma français... Découvrez les expos incontournables de cette saison automne-hiver 2026-2027. Glade / Clairière, à la galerie Chantal Crousel À l'été 2025, Wolfgang Tillmans refermait le Centre Pompidou d'avant-travaux avec « Rien ne nous y préparait − Tout nous y préparait », 6 000 m² d'expo déployés dans la Bibliothèque publique d'information, dont il avait fait à la fois son sujet et son écrin. Après le paquebot, la chaloupe ! Du 5 septembre au 10 octobre, la galerie Chantal Crousel, qui le représente à Paris, lui ouvre son modeste espace de la rue Charlot. Rappel pour les distraits du fond de la classe : Tillmans, premier non-Britannique à décrocher le Turner Prize en 2000, a passé trente-cinq ans à dynamiter la hiérarchie des images. Chez lui, un cliché de club berlinois vaut une nature morte de rebord de fenêtre, une abstraction née sans appareil côtoie un tirage d'astronomie, et le tout s'accroche au scotch et à l'épingle, du sol au plafond, sans cadre ni préséance. C'est aussi l'homme des affiches anti-Brexit open source de 2016

Peu conventionnelle dans le monde des cosmétiques, la marque canadienne The Ordinary s’est donné pour mission d’offrir des bons produits de soin de la peau à bon prix, sans (trop) miser sur le marketing. Après un pop-up dans le Marais en mai, “le Supermargé”, qui dénonçait les marges des leaders du secteur, The Ordinary ouvre sa première boutique à Paris, au 40 rue Vieille-du-Temple dans le 4e arrondissement, à partir du 29 juillet. Une boutique à son image, dans un format intimiste de 16 m2, où l’on retrouvera sur les étagères les fameuses boîtes blanches de la marque, avec leur packaging purement informatif sur la composition des produits. On pourra également y trouver une sélection de produits NIOD, une autre marque du groupe DECIEM, qui “s’inspire de l’industrie technologique et s’appuie sur des innovations de pointe pour optimiser la santé de la peau”. Il faudra attendre le mois de septembre pour profiter du service “Ask Our Experts” (accessible sans rendez-vous) permettant d’être conseillé pour la construction d’une routine skincare sur mesure. Où ? 40 rue Vieille-du-Temple, Paris 4e.Quand ? à partir 29 juillet 2026, du lundi au dimanche, 11h–19h.

« Née en banlieue parisienne en 2016 et déployée à force d’envie et de débrouillardise », comme elle se présente elle-même, la marque Pièces Uniques propose une mode masculine contemporaine et cosmopolite. Marquée par les influences de son fondateur, Edmond Luu, récompensé en 2024 par le prestigieux Prix Pierre Bergé de l’ANDAM (Association nationale pour le développement des arts de la mode). © Arthur PuyplatLe PSG dévoile une nouvelle collection avec l’une des marques les plus prometteuses de la mode parisienne Un label également validé par le PSG, qui a collaboré une première fois avec la marque au moment du Nouvel An lunaire 2026. Pour créer une collection capsule pensée comme « un pont entre les cultures », mettant en avant les communautés asiatiques à Paris, comme l’a confié le designer à NSS à l’occasion d’un drop à Tokyo. Pour l’occasion, la collection s’est étendue à cinq pièces, dont certaines s’inspirent des uniformes des écoliers nippons. Mais cette collaboration réussie ne s’est pas arrêtée en si bon chemin. Car la marque a dévoilé, en ce début de mois de juillet, le lookbook de sa collection printemps-été 2027, intitulée « Palette of Memories ». Incluant également une collection capsule PSG x Pièces Uniques. © Arthur PuyplatLe PSG dévoile une nouvelle collection avec l’une des marques les plus prometteuses de la mode parisienne Celle-ci étant attendue pour 2027, elle pourrait bien encore nous réserver quelques surprises. Mais on a déjà reconnu certaines des

Adidas x Rick Owens Déjà connu pour ses silhouettes radicales, Rick Owens a trouvé le moyen de rendre celles de son défilé printemps-été 2027 encore plus extrêmes : collaborer avec Adidas pour produire des vestes et des shorts littéralement gonflés grâce à un système de ventilation inspiré des « fan-jakketo » portées par les ouvriers japonais. Combinées au Climacool System, également utilisé par l’équipementier pour rafraîchir les athlètes Adidas pendant la Coupe du monde de football, ces tenues semblent idéales pour braver la canicule, tandis qu’une série de pièces moins techniques conjugue les trois bandes avec les codes esthétiques de Rick Owens. À porter avec une paire de chaussures de running Adidas x Rick Owens qui promet d’être aussi abordable que performante. Voir cette publication sur Instagram Une publication partagée par adidas Originals (@adidasoriginals) Converse x Kenzo Après une première collaboration très réussie en 2025, Kenzo et Converse remettent le couvert pour le printemps-été prochain en réinterprétant la Chuck Taylor et la Jack Purcell — l’autre modèle culte que la marque américaine est en train de relancer — avec des codes varsity qui font écho au style preppy de la collection de vêtements, mais aussi à ses imprimés floraux, notamment avec un motif bonsaï all-over. Pour ceux qui préfèrent les chaussures de ville, il y a également une collaboration avec Paraboot autour de la célèbre Michael, ornée d’un lettrage façon université

Que l’on puisse ou non s’offrir ses créations, il est possible de découvrir gratuitement la vision unique du joaillier milanais jusqu’au 20 juillet, grâce à la première exposition parisienne dédiée à Pomellato. Fondé à Milan en 1967 par Pino Rabolini, Pomellato s’est fait un nom dans le monde de la joaillerie en imaginant des pièces “faciles à porter”, davantage en phase avec son époque. Une vision novatrice, voire révolutionnaire, comme le suggère le titre de la première exposition parisienne dédiée à la maison, organisée du 27 juin au 20 juillet 2026 au Palais de Tokyo : Pomellato - Le joaillier révolutionnaire. Conçu comme un parcours immersif mêlant design, joaillerie et photographie, l’événement explore une série de révolutions dans le style et la conception des bijoux, mais aussi dans la manière de les présenter. Cette approche moderne de la joaillerie s’est notamment incarnée dans des campagnes publicitaires signées par de grands photographes de mode, parmi lesquels Helmut Newton, Gian Paolo Barbieri, Horst P. Horst, Herb Ritts ou Lord Snowdon. Une première dans ce secteur, qui a donné naissance à des images marquantes immortalisant autant les bijoux que les femmes qui les portent, au service d'une vision de la féminité puissante, inclusive et librement choisie”. Une vision également prolongée par la création de la plateforme Pomellato for Women, qui défend l’égalité des sexes, la diversité et l’inclusion. Une ode à la féminité, donc, mais aussi une invitation à s’émer